jueves, 18 de junio de 2015

Mashups, de infringir copyrights a activos rentables para la industria de la música

Los mashups han dejado de ser perseguidos por la industria de la música porque generan en algunos casos más beneficios que los videoclips oficiales. YouTube y las productoras entienden que los vídeos generados por los usuarios o UGC son activos muy rentables en el nuevo modelo de negocio de la cultura participativa. Es una alternativa más a la monetización de los vídeos musicales.


Baku Morikuni, jefe del Media Lifecycle Service de Sony, afirmó ayer en las jornadas Bit Experience sobre tecnología audiovisual que las discográficas están ganando más dinero, en el caso de algunos artistas, con los mashups y vídeos generados por los usuarios que con los videoclips oficiales. Para Morikuni estos vídeos son activos capaces de aportar una rentabilidad, así que hay que saber cómo moverlos en la Red.

Baku Morikuni, General Manager Media Lifecycle Servie de Sony en Bit Experience

Las declaraciones de Morikuni están en consonancia con la federación internacional de discográficas (IFPI), que en su informe sobre la música digital de 2014 ya exponía algunos de los ejemplos que habían ayudado a los artistas a ganar dinero a través de los mashups. Entre ellos destaca la reacción del capitán Kirk de Star Trek a la polémica actuación de Miley Cyrus de la MTV Music Videos Awards.




¿Cómo monetizan las discográficas los mashups? A través del Google Content ID, es decir, un sistema que identifica la canción que está sonando en el vídeo no original y que posibilita a las discográficas reclamar los derechos de la canción a YouTube. Cuando comenzaron a proliferar los mashups, las discográficas persiguieron estos contenidos para eliminarlos porque infringían los derechos discográficos. Sin embargo, tanto YouTube como las productoras se han dado cuenta que estos vídeos atraen audiencia que se puede traducir en anunciantes y por lo tanto, tal y como explica Morikuni, se convierten en activos de alta rentabilidad. 

Lo cierto es que, además de la identificación, el canal del mashups también muestra un link directo para que se pueda comprar la canción en diferentes plataformas. Pero lo más importante, la utilización de la canción en un mashups funciona como musicidad, porque a la vez que suena la música se convierte en la propia publicidad de la canción insertada. Los vídeos generados por los usuarios o UGC multiplican los canales de difusión de la canción y eso significa más formas de monetizar el vídeo.

viernes, 13 de marzo de 2015

Miss Dior, feminismo y la conquista de lo cool a través de Janis Joplin



Dior vuelve intentar la conquista de lo cool a través del rock y la contracultura. La batalla está ganada porque las bandas necesitan promoción y llegar a nuevas audiencias a través de estrategias musicitarias. En 2013 la marca de lujo sincronizó el "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin y ahora contraataca con la épica "Piece of My Heart” de Janis Joplin. Dos iconos de la contracultura cooptados por una marca de lujo que busca absorber así los significados de una rebelión que ha sucumbido al consumismo. Esto es un suma y sigue: Bob Dylan no hace mucho nos presentaba un banco (ING Direct) antistablishment con su "People in progress".

El anuncio de Miss Dior se fundamenta en el espíritu romántico de ir contra las normas, como la contracultura. Natalie Portman deja plantado a su novio en la puerta del altar para ser rescatada por otro romántico hombre en un helicóptero (parece que nos sabemos estar solas y un helicóptero suena demasiado a Grey). Anton Corbjin, director de anuncio, explicó en People que la canción de Janis Joplin aporta el argumento feminista. Sin embargo, es preocupante que el matrimonio se utilice para escenificar la falta de libertad para la pareja y que la salvación de la joven dependa del rescate de otro hombre. Esto no cuadra. El problema es que detrás de este anuncio hay una marca cuyo naming es "Miss", tratamiento machista que no se da en los hombres, se casen o no. Así, el argumento feminista no se sostiene. Un cambio feminista que podría hacer Dior es actualizar el nombre de su marca de "Miss" a "Ms Dior", un tratamiento consensuado que no hace referencia al estado civil de la mujer. En cualquier caso, valga la desmitificación de la boda como aspiración exclusivamente femenina, aunque en este spot no tiene mucho sentido. 




Tanto el tema de Led Zeppelin como el de Janis Joplin son fonogramas originales. La licencia de estas obras puede oscilar entre los 50 y 140 mil euros. Esto demuestra que los anuncios son una fuente de ingresos y una plataforma de difusión para bandas consolidadas ahora que no pueden sonar ni en la radio (salvo en Rock Fm) ni en la MTV.

La marca ha confiado sus últimos trabajos a reconocidos directores de videoclips, como Romain Gavras, quien dirigió el anuncio de Louis Vuitton (con el tema “I’d Rather Be High” versión veneciana de David Bowie) y el “Whole Lotta Love” para Dior con Rob Pattinson. Los anuncios son mucho más sofisticados y menos revolucionarios que sus clips para M.I.A, por ejemplo. 



En esta ocasión, Anton Corbijn (Nirvana, U2, Depeche Mode, Arcade Fire…) es el encargado de convertir el anuncio en un artefacto cool. Otro tema es que lo consiga, porque el tema de Janis Joplin apenas se sostiene. La elección de reconocidos directores de videoclips también forma parte de la estrategia de convertir al anuncio en un producto cultural por derecho propio, una especie de co-branding director-marca que ayuda a expandir la simbología cool de los productos. 

jueves, 30 de octubre de 2014

El éxito del videoclip musicitario "I Won't Let You Down” de OK Go y Honda vuelve a surgir de una coreografía y un plano secuencia




¿Por qué ha gustado tanto el spot? El clip comienza con un guiño intertextual que absorbe los significados de “Here it goes again”, el vídeo musical con el que ganaron el Grammy en 2007 bailando en cuatro máquinas de correr. En “I Won't Let You Down” han unido lo que mejor saben hacer: coreografía y plano secuencia, esta vez de gran presupuesto y gran complejidad. Un ritmo funky con reminiscencias setenteras convierten este videoclip en un contenido eufórico y motivador que acaba en silencio, con un giro de cámara que muestra durante más de un minuto las vistas aéreas de la zona.

El nuevo videoclip de OK Go “I Won't Let You Down” es un anuncio, o mejor dicho, es un videoclip musicitario: Honda promociona su UNI-CUB β OK Go su nuevo disco. Y así, sin molestar, OK Go y Honda han conectado y emocionado a más de 7 millones de usuarios en solo tres días volviendo al punto de partida: bailar en un plano secuencia.



OK Go atrae a las marcas porque son garantía de viralidad y de creatividad. Dicen los músicos de OK Go que no se limitan a componer canciones para posteriormente producir videoclips, sino que crean artefactos audiovisuales que nada tienen que ver con el pasado de la industria de la música. Las marcas son partners, están pero no molestan y ayudan a la difusión del contenido apropiándose de los valores de la banda. Las marcas no siempre se comportan así, suelen imponer sus productos en los clips, como ocurre en el videoclip musicitario de "Papi" de Jennifer Lopez.

Honda no solo aparece a través de la integración UNI-CUB β, sus colores corporativos, el rojo y el blanco, predominan en las faldas y en las camisas de las bailarinas. Los paraguas, salvo los del final, también son rojos y blancos. No hay discográfica detrás de este videoclip. OK Go y la agencia creativa Mori  firman este videoclip musicitario producido en Japón en el cual músicos y bailarinas montan estos curiosos monociclos de Honda. 

La sencillez y el éxito de “Here it goes again” condicionó el siguiente clip de OK Go “This Too Shall Pass”, para el cual construyeron una máquina de Rube Goldberg. El videoclip “This Too Shall Pass” fue creado en 2010 y en septiembre de 2014 se aproximaba a los 45 millones de visitas. OK Go demostraban así su capacidad para crear vídeos musicales y viralizarlos. OK Go quiso realizar el “más difícil todavía” para su tema “Needing/getting” y encontró en el modelo Sonic de Chevrolet al productor de su videoclip. Chevrolet decidió planificarlo en una versión spot de 20 segundos en la retransmisión de la Super Bowl de 2012. Ahora se vuelven a superar con este plano secuencia de “I Won't Let You Down” creado conjuntamente con Honda.


“I Won't Let You Down” es un videoclip que rompe expectativas visuales, sin embargo, y como #changemarketer, echo de más a tanta bailarina y echo de menos a bailarines que suavicen el estereotipo de la falda y la colegiala, como hizo Michel Gondry para la versión que Gary Jules realizó de "Mad World", una canción de Tears For Fears.



jueves, 10 de abril de 2014

La importancia de la música y el contexto en el spot de los auriculares Beats by Dre con Cesc Fábregas




Beats by Dre By Cesc Fábregas: Hear What You Want es el título del cuarto spot que la marca de auriculares Beats by Dre acaba de lanzar. Se trata de una serie de anuncios que tienen como línea argumental la presión que soportan los jugadores de élite. Los spots nos muestran a unos súper héroes víctimas del fanatismo deportivo. Así que, a palabras necias oídos sordos, o mejor dicho, utiliza auriculares que te permitan escuchar solo lo que tú quieras.

Lo interesante de este spot es el papel que juega la música en la creación de significado. El spot está dividido en dos partes. La primera nos muestra a Cesc Fábregas llegando en autobús al Santiago Bernabéu para disputar el partido de fútbol más importante de la liga española: Real Madrid vs Barça (o viceversa).

Esta primera parte comienza con una guitarra clásica (un icono musical muy español) que da paso a una música y un sonido que refuerza la sensación de pavor en las imágenes. Si el Madrid juega en casa ya sabemos lo que le espera al Barça: gritos, insultos y desprecios irracionales. Las imágenes nos muestran a un Cesc aterrorizado por los alaridos que llegan de los aledaños de estadio. Los puñetazos que recibe el autobús molestan, los objetos que son estampados contra su ventanilla asustan. Hastiado de tanta hostilidad Cesc se pone los cascos y comienza a sonar la canción The Man, interpretada por Aloe Blacc. El spot nos advierte de que el disco ya está a la venta: dos spots por el precio de uno y así te evitas shazamear el tema.

La entrada de la canción (minuto 1:16) marca la segunda parte de este anuncio, en donde es tan importante la música  como la ausencia del sonido ambiente antes descrito. Las imágenes cambian de significado por la música y porque la ausencia de ambiente nos deja sin contexto, hasta tal punto que los insultos se convierten en vítores. Al fin y al cabo ya lo dice el eslogan "Hear What You Want": utiliza estos auriculares porque convierten tu peor pesadilla en un sueño hecho realidad.

Omar Johnson, responsable de marketing de Beats by Dre ha declarado a AdWeek que la canción consigue que Cesc vea la luz al final de túnel en una situación dramática. No es solo la música, es la relación que establece con las imágenes lo que significa el infierno o la gloria. Sin contexto la interpretación es más libre.

viernes, 28 de marzo de 2014

La agencia de vídeos Dissolve critica la publicidad ilustrando el poema "This is a generic brand video" de Kendra Eash





Así es: “El contexto lo es todo”. Estos chicos del banco de clips Dissolve han lanzado un spot que critica la publicidad en  “This is a generic brand video” por vacua y capciosa. Después de observar el revuelo generado por este vídeo decidí investigar por qué Dissolve, un banco de imágenes para diseñadores, publicistas y storytellers, ha querido lanzar este espot meta y anti publicitario. El primer paso fue hablar con los creativos ¿Por qué este spot? Dissolve me respondió, con mucha amabilidad, inmediatamente:

“We do love the devil's advocates of the world, it makes life interesting and encourages everyone to think deeper”.

En su blog Dissolve aclaraba que el vídeo no es una parodia, sino una crítica al vacío y la distancia que existe entre los significantes y los significados que expanden las grandes empresas a través de la publicidad, tal y como ha explicado Tim Nudd en Adweek. Estaban jugando a ser Saul Goodman, el abogado corrupto de Breaking Bad. Al final es lo que Dissolve le dice a las marcas: "Si os vais a echar a perder (haciendo publicidad) mejor llama a Saul (es decir a Dissolve)".

Cuando vieron el poema de Kendra Eash publicado McSweeney'sInternet Tendency no pudieron resistir la tentación de actuar como abogados del diablo e ilustrar audiovisualmente esos versos satíricos basados en tópicos (o topoi que diría Aristóteles) publicitarios. Los tópicos son un depósito de argumentos visuales o verbales que son utilizados por los creativos para persuadir, porque la mayoría de las personas los aprueban sin necesidad de demostración.

Entonces… ¿Qué hace Dissolve tirándose piedras sobre su propio tejado? Los creativos de esta agencia han propuesto una retórica nutritiva criticando los tópicos de la publicidad. Como buenos conocedores de la retórica saben que las marcas no arriesgarán con nuevos argumentos porque, tal y como explicó Aristóteles, si la audiencia no los reconoce no serán convincentes justo porque no están aprobados por la mayoría.

Este recurso retórico anti publicitario no es nuevo, es la base de la revolución creativa de los años 60: criticar a la sociedad consumista y conformista desde el consumismo, tal y como han explicado Frank (La conquista de lo cool), Heath y Potter (Rebelarse Vende). De hecho fíjate en este eslogan: “El mero hecho de que nos dediquemos a vender no significa que nuestra prioridad sea vender”. Este es un ejemplo de argumentos anti publicitarios. Fue creado por Bernbach para Volkswagen en los años 60.

El vídeo ha generado notoriedad a la agencia de clips. Así, cuando un creativo necesite un vídeo para ilustrar una historia o un espot recurrirá a vídeos cuyo significado sea convencional, que no necesite una explicación de sus significados, connotaciones, ni de su contexto. Y para esto existe Dissolve, un banco de imágenes simbólicas, de todo tipo y para todos los gustos de representación visual, tanto es así, que todas las marcas podrían contar historias con sus archivos de clips. Al final, como decía Vilallonga, las ramblas terminan en el mar.

El tópico “Una imagen vale más que mil palabras” cae en mil pedazos gracias a este vídeo que demuestra que es el lenguaje el que ancla el significado de las imágenes, cuyo código de interpretación es abierto. Pensadlo bien, cambiad las palabras y el vídeo cambiará de significado. La fuerza del vídeo no son las imágenes, sino los versos del poema. Sin embargo, el vídeo invita a reflexionar y esto es siempre interesante. 

El título de la canción es "Piano Work 02" y está firmado por rysktchkw
Y está disponible bajo licencia de Creative Commons en SoundCloud




viernes, 24 de enero de 2014

El futuro de la industria de la música del #muwomlab obtiene sobresaliente en industria pero necesita mejorar en música

Foals en el Royal Albert Hall (London, 2013)

La industria de la música se mueve. De eso no hay duda y así se demostró ayer en el #muwomlab, un encuentro organizado impecablemente por Muwom en el Espacio de la Fundación Telefónica. Durante una mañana diferentes start up presentaron las propuestas que están desarrollando en la industria de la música. Resumiría la jornada con estas palabras clave que definen hoy el sector: smartphone (streaming, apps, distribución digital) crowdfunding, retransmisión de conciertos, social media y #musicidad. Salí muy motivada para seguir con mi tesis porque se habló mucho más de industria que de música. Ojalá que en futuras ediciones abran una puerta a la investigación sobre la música.

Tras siete años trabajando en la industria (Fnac) y cinco en la investigación de la industria y la música (UA) observo que los musicólogos han dedicado mucha literatura a la investigación de la industria, mientras que ésta desconoce la ayuda que la investigación puede ofrecer al presente y futuro de la música. Entre tanta Start-up, Spotify, Deezer, Ticketmaster,... eché de menos, entre otras cuestiones, una reflexión y un análisis sobre los significados de la música, sobre los géneros musicales y las comunidades que se generan a través de ellos. 

Si bien es cierto que la jornada fue acertada para conectar agentes de la industria, considero que el futuro de la música debe construirse entre industria, músicos, sociólogos y musicólogos, personas que desde un punto analítico y crítico aporten una visión reflexiva del sector. Este es uno de los objetivos de mi tesis que investiga la relación entre marcas y música. Espero alcanzarlo.

Por último, me entristece pensar que, con la necesidad que tiene este país de creación de empleo, se ignore esta industria como un sector productivo que merezca inversión publica o privada tanto en creación como investigación. Felicito por ello a los organizadores, por la iniciativa y el tesón de luchar por la industria de la música independientemente de la situación económica. 

La actualidad del evento fue recogida, entre otros, por Darío Manrique en El País.





domingo, 15 de diciembre de 2013

"Rock Around Spain", el libro que salda las deudas con la historia del rock en España

De izquierda a derecha: Raúl Rodríguez, Cande Sánchez Olmos, Kiko Mora y Gonzalo Cifuentes.

El pasado viernes 13 presentamos en la Fnac Alicante el libro "Rock Around Spain. Historia, industria, escenas y medios de comunicación". En el acto participamos Kiko Mora, editor del libro y profesor de la UA, Gonzalo Cifuentes, guitarrista de Cirilo, Raúl Rodríguez y yo, como autores y profesores de la UA. Estamos muy agradecidos a todos los que vinieron a escucharnos en la presentación de este libro, que cubre un hueco en los estudios del rock en España. Aquí podéis encontrar el índice del libro y todos los autores que participamos.

Kiko Mora explicó como este libro salda una deuda con el rock, puesto que este género musical ha sido poco investigado en la cultura Española, en contraposición a otros movimientos culturales como la Movida. Para Kiko Mora, este libro ofrece la oportunidad de conocer que en los años 80, además de la Movida, existió un gran movimiento cultural de grupos de rock cuyo discurso se oponía al institucionalizado y politizado de la Movida. El rock fue un género incómodo para la ideología dominante, y por ello fue silenciado.

Kiko Mora, editor, y Cifuentes


Gonzalo Cifuentes explicó su análisis del caso rock gallego, del rock bravú. Gonzalo explicó como el rock gallego también fue silenciado, sobre todo si los grupos cantaban en gallego como símbolo de afirmación nacional. Para Gonzalo este libro tiene una gran coherencia en lo que respecta a los contenidos porque ha permitido sacar a la luz grupos y escenas olvidados por los medios de comunicación.

Raúl Rodríguez y Cande Sánchez


Por último, Raúl Rodríguez y yo presentamos nuestro capítulo sobre rock y publicidad. "Rock and Spot: Rockicidad en España" es un artículo sobre cómo las marcas han utilizado el discurso del rock para vender otros productos que nada tienen que ver con este género. Pero además, presentamos otros ejemplos en los que la marcas se convierten en creadoras de contenidos musicales proponiendo campañas publicitarias que traspasan el formato clásico del espot. Es lo que en este blog analizamos a través de la musicidad.



Así, acompañados por este público encantador, presentamos este recorrido por diferentes aspectos del rock en España desde los inicios, a finales de los años 50, hasta la actualidad. Una visión multidisciplinar, aportada por investigadores, músicos, periodistas, todos ellos especialistas y al mismo tiempo protagonistas de la evolución de este género musical. La aproximación histórica profundiza en aspectos políticos, económicos y sociales que contextualizan el rock en cada período, y se complementa con un estudio detallado de escenas con características particulares, como el rock andaluz, el rock radical vasco, el rock bravú gallego o el rock catalán. Tampoco falta el análisis del rock en la radio, la televisión, la prensa, el cine y la publicidad.

Echamos de menos a Eduardo Viñuela, editor de libro junto a Kiko Mora, quien, junto a Eduardo García Salueña e Igor Paskual, presentaron el pasado día 5 el libro en Gijón. También echamos de menos al resto de autores: Eduardo García Salueña, Fernán del Val, Igor Paskual, Héctor Fouce, Carlos Galán, Roberto Moso, Álex Gómez-Font, Luis Clemente, Jose María Esteban, January Ruiz, El Pirata, Eduardo Guillot y Teresa Fraile. Esperamos veros en próximas presentaciones.

Próximas presentaciones: Viernes 21 de febrero en Fnac Callao y viernes 7 marzo en Fnac Valencia

Gracias a Salva Gomis por estas fotos de la presentación.